Декількома словами
Педро Гомес-Еґана, колумбійський художник, розповідає про своє життя, творчість та виставку в США. Художник ділиться своїм баченням адаптації та впливу війни на його покоління.
Колумбійський митець Педро Гомес-Еґана, чиї роботи експонувалися по всьому світу, відверто розповідає про своє життя, творчість та вміння адаптуватися. Зараз у США проходить його перша персональна виставка.
Педро Гомес-Еґана (Богота, 1976), який виріс у Колумбії, міг би стати видатним скрипалем, але його життя круто змінилося. Сьогодні він — відомий художник-концептуаліст, чиї філософські інсталяції, що зачіпають теми часу, буденності та уваги, об'їздили весь світ. Його роботи були представлені на таких престижних майданчиках, як Performa 13 у Нью-Йорку (2013), 15-та Стамбульська бієнале (2017) та 16-та Ліонська бієнале (2022).
Наразі в Центрі візуальних мистецтв MIT List у Кембриджі (штат Массачусетс) проходить перша персональна виставка Гомес-Еґани в США, яка триватиме до 25 липня. Сам художник вважає, що одним з ключів до його успіху є здатність до адаптації, притаманна колумбійцям його покоління.
– Ви народилися в Колумбії, але живете в Осло. Як стався такий різкий поворот?
– Я виїхав з Колумбії у 17 років за стипендією до консерваторії в США. Але у 21 рік отримав травму, яка змусила мене відмовитися від кар'єри скрипаля, до якої я готувався з шести років. Моя ідентичність теж змінилася. Я вступив до Голдсміт-коледжу в Лондоні, де вивчав композицію та спілкувався з художниками та танцюристами, що привело мене до нинішньої практики та географічного перебування в Європі. Потім мені порекомендували продовжити навчання в Норвегії, де навчання було безкоштовним і надавалася стипендія. Я здобув докторський ступінь у галузі візуальних мистецтв, а потім мені запропонували стати професором, спочатку в Бергені, а потім в Осло, де я й залишаюся.
– Як змінилася ваша ідентичність після стількох років у Європі?
– У мене немає ідентичності, прив'язаної до певної території, більшу частину життя я провів за межами Колумбії. Коли я повертаюся, я відчуваю, що всі мої молекули впізнають повітря, місце та музику, і я повертаюся туди, де належу, але культурно і з точки зору кодів я не дуже добре орієнтуюся в країні. Мені здається, що в Колумбії існує токсичний націоналізм, з яким я не ідентифікую себе, хоча ця фрикція здається мені цікавою та стимулюючою. Я колумбієць 80-х і 90-х: для людей мого покоління адаптація — наша найкраща здатність, спосіб бути в порядку в усьому.
– Чи відчуваєте ви себе іноземцем скрізь?
– Так, але мені це подобається, тому що це підтримує мене в стані цікавості, що здається мені інтелектуально та поетично цікавим. У постійному процесі адаптації є життєва енергія.
– І, тим не менш, у 2018 році ви отримали премію Mesoamérica за вплив на колумбійське мистецтво.
– Це було величезним сюрпризом, тому що я ніколи не прагнув виставляти традиційне колумбійське мистецтво, і я став художником після від'їзду з країни. Це було дуже зворушливе визнання. Крім того, перша ретроспектива моєї кар'єри також пройде на моїй батьківщині. Я на сьомому небі від запрошення Музею сучасного мистецтва Медельїна виставитися там наступного року, тому що це ще й моя улюблена культурна установа в Колумбії.
– Розкажіть про The Great Learning, вашу першу персональну виставку в США.
– Це кульмінація 10-річних бесід з кураторкою Наталі Белл, яка давно стежить за моєю творчістю. Я назвав виставку The Great Learning (Велике навчання) на честь експериментальної роботи британського композитора Корнеліуса Кардью, в якій музиканти починають з різних розрізнених тонів, поки не приходять до відчуження. У моїй виставці твори також повинні врівноважуватися, щоб створити єдиний рух. Це хореографічний жест, плин часу, танець з гравітацією та матеріальністю. Усередині своєї абстракції вона несе емоційне навантаження, має прихильність. Водночас є звуки, що супроводжують процес. Наприклад, те, що я називаю Кордильєра, — це записи в різних місцях (одне з них — кімната моїх батьків у Колумбії). Ця музикальність — спосіб вшанувати моє минуле як композитора.
– Яка передумова центральної роботи?
– Центральна частина — це вертикальна, фалічна, монументальна, патріархальна мідна структура, яка починає падати і, падаючи, показує свій патетичний і вразливий бік. Це ліричний жест, надзвичайно проста і складна вправа одночасно.
– Це інсталяції з великим політичним навантаженням.
– Так, тому що я заглиблююся в економіку уваги: наскільки важливо створювати простори для привернення уваги до певного контенту та зображень у такому прискореному світі, де якість уваги постійно знижується через швидкість та поверховість комунікації. Зараз, як ніколи, нам потрібні культурні практики, які запрошують інші способи бачення світу. Це політична відповідальність — як ми дивимося, на що звертаємо увагу і з якою якістю.
– Наскільки ваша робота пов'язана з нинішньою соціополітичною ситуацією у світі?
– Дуже і в багатьох відношеннях. Я намагаюся, щоб виробництво моїх робіт було стійким, встановлюю особисті стосунки з місцевими людьми, які братимуть участь у процесах встановлення. Але також створювати простори для інших художників з меншими можливостями чи ресурсами. Наприклад, моя виставка в MIT була перенесена, щоб кілька інших художників змогли виставити свої роботи. Вправи мислення мають вирішальне значення для прогресу як виду. Тому що знання обробляються та переробляються. Йдеться про створення зв'язків у світі, яких раніше не існувало, про переосмислення світу з творчим підходом до того, що існує. Це той тип мислення, який нам потрібен.
