Відвідати студію Хуліо Ле Парка

Відвідати студію Хуліо Ле Парка (Мендоса, Аргентина, 96 років) на околиці Парижа – це як потрапити до ренесансної камери дивовиж у розпал психоделічної подорожі. Геометричні картини яскравих кольорів – жовті, червоні, помаранчеві та зелені – займають стіни, зі стелі звисають грандіозні мобілі, а коли відчиняються двері кімнати, присвяченої світловим інсталяціям, де домінують електричні образи та звуки, надмір стимулів ускладнює сприйняття того, що відбувається. Нещодавно він відкрив велику персональну виставку в мадридській галереї Albarrán Bourdais, яка демонструє все це.

Разом із венесуельцями Карлосом Крузом-Дієсом і Хесусом Рафаелем Сото, Ле Парк є одним із найвидатніших представників оп-арту та кінетичного мистецтва Латинської Америки, і єдиним, хто залишився живим із цієї трійці. Він розвивав свою кар'єру в Парижі, де живе з 1958 року, за винятком короткої перерви після травневих подій 1968 року. У рідній Аргентині його вже визнавали, але статусу зірки він досяг у 2019 році, завдяки ретроспективі в Культурному центрі імені Кіршнера (нині Палац Свободи) та Музеї образотворчих мистецтв Буенос-Айреса, з інтервенціями у дві ікони міста – театр Колон та Обелиск.

Одягнений у щось середнє між курткою та робочим комбінезоном, він пересувається на інвалідному візку, оскільки півтора роки тому переніс інсульт, який обмежив його рухливість, і тому йому важко висловлюватися, але ідеї виникають у нього з блискавичною швидкістю.

Простір для творчості в студії художника. «Я хочу, щоб це було місце для дослідників мого мистецтва та мистецтва моєї епохи», – заявляє він.

Акрилові фарби в зоні виробництва.

Портрет Ле Парка в молодості, зроблений у Буенос-Айресі в 1946 році.

«Червоний мобіль на червоному тлі» (1960-2018). «Мене ніколи не цікавило малювати робітника чи бідняка, який страждає, але я хотів допомогти суспільству зробити людину учасником мистецтва та власного життя», – каже він.

— Ви походите з родини без мистецького минулого і без особливих статків…

— З нормальної родини. Мій батько був машиністом поїзда. Я провів дитинство в Мендосі, а потім поїхав до Пальміри через роботу батька. Мені й на думку не спадало стати художником. Але моїй мамі вчителька сказала, що я добре малюю, хоч і погано вчуся з інших предметів. Пізніше, вже в Буенос-Айресі, моя мама проходила повз Академію образотворчих мистецтв і згадала, що їй говорила та вчителька, і зайшла запитати. Там їй сказали, що для вступу мені потрібно здобути мистецький ступінь бакалавра. Я це зробив, склав іспит з малювання і вступив до Академії.

— На яких художників ви орієнтувалися?

— Мені подобалися муралісти, такі як Антоніо Берні, Хуан Карлос Кастаньїно і Ліно Енеа Спілімберго, а також група конкретного мистецтва, заснована Томасом Мальдонадо. У підготовчій школі у нас був викладач моделювання Лучіо Фонтана, який ініціював так званий «Білий маніфест», який він насправді не підписував, але змусив підписати всіх своїх учнів. Я був єдиним, хто цього не зробив, тому що мені здавалося, що це не відповідає нашому рівню: ми були підлітками.

— Все змінилося, коли у 25 років ви отримали дуже престижну стипендію для поїздки до Парижа.

Її надавав французький уряд молодому невідомому митцю. Думаю, мені її дали за бунтівний характер. Ми повставали, щоб змінити спосіб викладання, який здавався нам занадто академічним. Один із членів журі, критик Ромеро Брест, який згодом став директором Музею образотворчих мистецтв, не погоджувався з тим, що я думаю, але пам'ятав про мою поведінку.

Хуліо Ле Парк у своїй студії. Samuel Aranda

— Що ви знайшли в Парижі? Чи говорили ви французькою, для початку?

— Так, але дуже погано. Коли я приїхав, Круз-Дієса ще не було тут, він приїхав пізніше. Сото був. У Буенос-Айресі я бачив виставку художника оп-арту Вазарелі, і це змінило моє уявлення. Вже в Парижі ми всі пішли подивитися на Вазарелі, а також на Делоне, Вантонгерлоо, Шеффера. Завдяки стипендії мені не доводилося працювати деінде, як в Аргентині. Я міг присвячувати себе своєму мистецтву 24 години на добу. Це була велика зміна, тому, закінчивши стипендію, я вирішив залишитися тут. За посередництва Вазарелі ми, молоді латиноамериканські художники, сформували колектив GRAV. Ми хотіли порівняти наші пошуки та дослідження.

— Незабаром ви почали експериментувати зі світлом і рухом. Що вас до цього спонукало?

— Я хотів побачити, який результат дадуть ті речі, які я робив спочатку на плоскій поверхні, з моїми гуашами, коли їх привести в рух. Підняти їх на інший рівень. І створення робіт зі світлом було результатом дослідження. Це те, що я потім робив у всі свої епохи: рух і світло.

Він приєднався до галереї Denise René, що спеціалізується на такому виді мистецтва. Кінорежисер Анрі-Жорж Клузо зняв фільм «В'язниця» (1968) у світі сучасного мистецтва, історію про поліаморію та вуайєризм, де з'являлися деякі з його робіт. Незадовго до цього, у 1966 році, він отримав Гран-прі Міжнародної виставки живопису на Венеційській бієнале, де його вчитель Лучіо Фонтана також був одним із лауреатів.

«Continuel Lumière-verte» (1960-2023).

Дві його роботи: «14 форм у вигинах на білому тлі» (1966) і «6 стільців з пружинами» (1966).

— Тоді вас вислали з Франції за підривну діяльність під час заворушень 1968 року.

— Я пішов з іншими людьми підтримати робітників, які страйкували, захопивши завод Renault, і нас затримала поліція. Я зробив плакати проти уряду, і тому мене вислали разом з іншими іноземцями. Я провів деякий час за кордоном, в Італії та Німеччині, зокрема. Зрештою, я сприйняв це як щось природне через мої принципи та ідеї.

— Однак абстрактне мистецтво зазвичай вважається відірваним від соціальної реальності. Чи має ваше мистецтво політичну складову?

— Звичайно, має. Воно передбачає соціальну відповідальність у тому сенсі, що залучає глядача, оживляє твір. Абстракція, як і всі мистецькі тенденції, може бути політичною або аполітичною. Звичайно, є аполітичні художники-абстракціоністи, але вони є і у фігуративному мистецтві. Ми виступали проти системи з художниками, які використовують застарілі форми, хоч би якими політичними вони були в теорії.

— Ринок ставився до вас добре.

— Так, особливо в Латинській Америці, Італії, Іспанії та Німеччині. Натомість французи мене ігнорували донедавна. У 2013 році у мене була виставка в Палаці Токіо, але ніколи в Помпіду. Мені запропонували виставку в Музеї сучасного мистецтва в Парижі, що було чудовою можливістю, але це сталося в той момент, коли була дуже сильна критика їхніх виставок, до якої я приєднався. Тож я зіграв у орел чи решка. Яміль, якому було близько п'яти років, кинув монету: випала решка, і я відмовився. З того часу офіційні центри залишили мене осторонь. Щодо Іспанії, був час, коли моя присутність у Мадриді була більш частою, тому що я працював з місцевими галереями, такими як Rayuela або Fernández-Braso, але я намагався зробити виставку в Рейна Софія, яка так і не відбулася. Сподіваємося, що колись це станеться. Можливо, після цієї в Albarrán Bourdais.

— Чи вважаєте ви, що можливе грайливе, але не поверхневе мистецтво?

— Ця радісна частина моєї роботи походить від того, що я людина з певним оптимізмом, незважаючи на те, що ми живемо в суспільстві, яке в багатьох аспектах є гнітючим. Мої картини та роботи свідчать про цей оптимізм, тому що бути оптимістом – це також форма опору. Мене ніколи не цікавило малювати робітника чи бідняка, який страждає, але я хотів допомогти суспільству зробити людину учасником мистецтва та власного життя.

Вид на район Кашан зі студії Хуліо Ле Парка. Художник розвивав свою кар'єру в Парижі, де живе з 1958 року. Samuel Aranda

У 2019 році відбулася його велика ретроспектива в Буенос-Айресі, яка включала освітлення 67-метрового Обелиска на перетині проспектів Коррієнтес і 9 липня, найвідомішого громадського пам'ятника міста. У цьому колосальному проекті він співпрацював з Ямілем, який раніше випробував його на Обелиску на площі Згоди в Парижі. «Тоді він одразу став Карлосом Гарделем», – жартує Яміль. Але Хуліо Ле Парк запевняє, що це не було його пріоритетом: «Я ніколи не прагнув, щоб мене визнали. Важлива не моя особа, а моя робота».

— Чи хотіли б ви залишити спадок для наступних поколінь?

— Багато людей приходять відвідати студію, і я хочу, щоб це тривало, щоб це місце продовжувало жити, навіть коли мене не буде. Для цього я хочу створити фонд і щоб не все перетворилося на товар. Після моєї смерті працівники можуть підтримувати виробництво, що добре, тому що дозволяє вижити економічно, але це не єдине. Я хочу, щоб це було місце для дослідників мого мистецтва та моєї епохи.

У студії працюють 14 співробітників, серед яких троє його синів: Яміль (як художній керівник), Хуан (з питань, пов'язаних з цифровими технологіями) і Габріель (в фотоархіві). Крім Хуліо та його дружини Марти, також художниці, і його помічниці Ани Іріс, у будівлі живуть сім'ї Хуана та Габріеля. «Люди, які працюють зі мною, включно з моєю родиною, дуже цінні», – запевняє він.

— Чи плануєте ви продовжувати працювати?

— Щодня я спускаюся в майстерню о десятій ранку і йду о сьомій вечора. Я відпочиваю лише опівдні, щоб пообідати тут, за приписом лікаря. Так щодня, навіть у суботу та неділю. Вгорі, в моєму будинку, мені було б нудно. Я хотів би відправитися в круїз, на цілий місяць по Карибському морю і північних або південних морях, як пенсіонер. Але я не можу.