Підривний шов

У 1984 році історикиня Розсіка Паркер опублікувала есе «Підривний шов», в якому розмірковувала про соціальну історію нитки та голки – єдиних інструментів, зарезервованих для жінки в сучасній західній культурі.

Вона переосмислила їх так: «Мистецтво вишивки служило для виховання жінки відповідно до жіночого ідеалу (...), але також наділило її зброєю опору обмеженням самої жіночості».

Ця перспектива представляла мистецтво ткацтва та вишивки, патріархальний символ ув'язнення жінки, як область, якій потрібно приділяти увагу з позиції фемінізму. Також в іспанському контексті, де вишивальниці були головними героїнями мізогінних пісень і отримували ревнивий погляд звичаїв, ми маємо історичні приклади цієї двосічної зброї. Можливо, найбільш міфологізованим є приклад Маріани Пінеди, яка в 1831 році вишила — або замовила вишити — антиабсолютистський прапор, була виявлена, а потім засуджена до смерті.

З середини минулого століття кілька художниць вже почали ставити під сумнів, чи поділ між високим мистецтвом і текстильним ремеслом не є ще одним способом вигнання жінок зі світу мистецтва і зневаги до роботи, яка є суто фемінізованою. Раптом класи крою та шиття – у часи репресій, єдиний простір для жіночих зборів – можна було прочитати як спільну кімнату. Феміністське мистецтво сімдесятих років почало працювати з гобеленами та з такими техніками, як хрестик або макраме, у сучасному сенсі. «Тінь» (2024) Терези Лансети, яку можна буде побачити на стенді 1 Mira Madrid. Галерея 1 Mira Madrid В англосаксонському академічному контексті, з більш усталеною традицією мистецтва та ремесел (частково тому, що чоловіки також займалися декоративним з кінця попереднього століття), було трохи простіше впроваджувати текстильні вироби в інституційне середовище: Джуді Чикаго включила вишивки в скатертини на «Вечері» (1979) і, дуже повільно, музеї почали додавати вишивки та ткані роботи з яскраво вираженого жіночого та феміністського мистецтва.

З того часу з'явилися імена, деякі з них представлені на цьогорічній виставці ARCO, як-от Шейла Хікс або Єва Гессе, які утворюють свого роду міжнародний канон текстильного мистецтва. Однак у національному контексті установи витратили час на те, щоб звернути увагу на цих художниць, а ринок десятиліттями сумнівався в цінності цих робіт. «Скульптура з гачком» або «нитки з ниток у техніці макраме» не надто блищали на етикетках галерей. А їхніх авторок зневажали через те, що вони жінки, присвячували себе традиційним технікам, які не вписувалися в те, що вважалося новим, і мали як орієнтири не великих європейських майстрів, а найскромніших ремісниць, які переосмислювали у ключі сучасного мистецтва.

Наступні художники, такі як Леонор Серрано Рівс або Кенія Альмарас, використовують текстиль як ще одну вісь мультимедійної практики. Парадокс полягає в тому, що зараз ринок цінує їх за все це, про що свідчить нещодавній бум на ярмарках того, що англосакси називають fiber art. Показовим є випадок Аурелії Муньйос: MoMA придбав її роботи раніше, ніж будь-яка іспанська установа. Галерея Хосе де ла Мано, що спеціалізується на відновленні художників п'ятдесятих-сімдесятих років, з особливим інтересом до геометричного мистецтва, також представляє її спадщину. Її галерейник стверджує, що Муньйос займе фундаментальне місце у її пропозиції для Arco: «Вона з самого початку знала, що в Іспанії це не матиме відгуку, і шукала міжнародні контакти, які швидко зрозуміли її мистецтво», – каже де ла Мано. Бієнале в Лозанні, Мекка того часу текстильного мистецтва, стала ключем до розширення мистецтва, створеного переважно жінками та космополітичного профілю. Навіть сьогодні, незважаючи на те, що текстильне мистецтво стало всюдисущим в ARCO, більшість покупців Аурелії Муньйос залишаються іноземними колекціонерами. Можна передбачити, що американські галереї будуть виділятися своїм текстильним внеском, оскільки цього року вони також мають особливе значення на ярмарку навколо ідеї амазофутуризму. Наприклад, галерея з Ліми Livia Benavides привезе роботи Сандри Гамарри та Чонон Беншо, а Leme з Сан-Паулу представить роботи Джесіки Майн.

Повертаючись до іспанського контексту, випадок Терези Лансети, мабуть, найбільш репрезентативний для розуміння поступової уваги, яку отримало текстильне мистецтво в Іспанії. Міра Бернабеу, галеристка 1 Mira Madrid, яка привезе свої гобелени, розписані та зшиті тканини на ARCO, наполягає на тому, що вона «одна з піонерок». «Коли всі малювали, вона віддавала всі свої сили текстильному мистецтву. Вона проводила літо в Марокко, щоб вивчити техніку», — каже галерист. Лансета дуже добре усвідомлювала майже підпільну традицію текстильного мистецтва протягом історії та присвятила майже все своє життя дослідженню та створенню на тканинах цієї пам’яті. У гобеленах вона знаходить наративну поверхню, але також можливість де-ієрархізувати матеріали (наприклад, у її практиці немає сенсу говорити про «олії на тканині»), і живий спосіб архівувати матеріали, який перегукується з тенденціями деколонізації. Макет роботи «Хвилі» (1976) Аурелії Муньйос, який можна буде побачити на ARCO на стенді Хосе де ла Мано. Галерея Хосе де ла Мано Було логічно, що установи кілька років цінують її роботу: Macba та Ivam присвятили їй виставку у 2022 році, а у 2023 році, у рік, коли вона отримала Національну премію образотворчого мистецтва, була відкрита site-specific експозиція в Музеї Патіо Ерреріано у Вальядоліді. З вивчення похоронних тканин XIII століття в Кастилії Лансета ткала гіпотетичні ковдри або ковдри, натхненні тією, що служила для поховання Альфонсо VIII у монастирі Лас Уельгас у Бургосі, що, у свою чергу, служило їй для дослідження міжрелігійних відносин текстильних майстерень Середньовіччя, у форматі текстильної байки або художньої мікроісторії. Крім розписних тканин, які вона везе на ARCO, можна побачити продовження роботи з гобеленами, яку вона зробила для Вальядоліда в штаб-квартирі 1 Mira Madrid у районі Лавап'єс.

Вже неможливо говорити про «тенденцію» чи про другорядне мистецтво, якому було відведено місце, а про художню форму з власною генеалогією та шляхами, яка засяє особливим колоритом у ці дні ARCO. Це демонструє особлива кількість художників наступних поколінь, які сприймають текстильне мистецтво як ще одну вісь мультимедійної практики. Це стосується світлих гобеленів Леонор Серрано Рівс (в Carlier Gebauer) або тканих ниток, які Кенія Альмарас Мурільо (в Waddington Custot) поєднує з автомобільними фарами, світлодіодними ліхтарями, деталями мотоциклів та дорожніми знаками.