Тривалий час (а іноді й донині), коли дизайнери представляли свої колекції, вони говорили про «типажі жінок»: жінка «романтична» (у сукнях і пастельних тонах), жінка «владна» (у костюмі з чоловічим натхненням, звісно), «чуттєва» (в обтислих і/або відкритих речах) або ж та настільки повторювана, як і позбавлена сенсу фраза, яка описувала «витончену та впевнену в собі жінку». Мода є одним із найефективніших інструментів у побудові ідентичності, але протягом XX століття та частково XXI століття ідентичності (у множині) жінок були замкнені та виражалися в цих ярликах, ніби одягатися означало грати роль, заздалегідь написану іншими; ніби зовнішній погляд, майже завжди чоловічий, був головним критерієм у ставленні до одягу. Перші дні Тижня моди в Парижі стали, в цьому сенсі, приємним сюрпризом: більшість представлених колекцій були спрямовані на те, щоб відкрито розірвати з упередженнями та ярликами, пов'язаними з жіночою модою.

Марія Грація К'юрі використовувала повторюваний образ, «Орландо» Вірджинії Вулф, щоб говорити про множинну та плинну побудову ідентичності у своїй новій колекції для Dior. В неймовірних декораціях, створених Бобом Вілсоном, моделі блукали, представляючи щось на кшталт метафори різних життєвих переходів індивіда, що відображалося в їхньому одязі, ідеально зібраному поєднанні речей різних епох (від вікторіанської до початку 2000-х з футболкою J’adore від Гальяно, через сорокові роки Крістіана Діора та дев'яності Джанфранко Ферре), жанрів і ситуацій, від утилітарного до церемоніального. «Я хочу показати, що мода є вмістилищем культурних та естетичних умовностей, соціальних кодів», – розповідала К'юрі в нотатках до показу. Італійка є переконаною феміністкою, яка за ці роки зуміла змінити погляд французького дому, на який вона працює, із зовнішнього на внутрішній. Її неодноразово звинувачували в тому, що вона занадто комерційна та функціональна, але правда полягає в тому, що її місія полягала в тому, щоб запропонувати моду, створену для самої жінки, яка її носить, а не для зовнішнього осуду. У Марії Грації немає єдиної жінки, тому що не існує єдиної ідеї жінки; існує стільки ідей жінки, скільки жінок, і ця колекція, одна з найкраще опрацьованих і точних робіт італійки, є доказом цього.

«Твоє тіло – твоє», – пише дизайнер Пітер Мюльє в листі від першої особи, який отримали гості на показі Alaïa, що відбувся в майстерні бренду у вівторок, 4 березня. Небагато показів (особливо останнім часом) отримують одностайну похвалу, але мало хто з сучасних дизайнерів має бачення бельгійця, з концептуальною вагою в основі та нечуваною ретельністю у формах. Скульптури Марка Мандерса, які здавалися незавершеними, прикрашали простір і, за словами Мюльє, служили для «фіксації в просторі нелінійного часу». Як і К'юрі, дизайнер говорив про минуле без того консервативного підтексту, який зазвичай супроводжує ностальгію, а як про інструмент для спроби дати відповідь на сьогодення: бельгієць віддає шану покійному Аззедіну Алайї, посилаючись у кожному дизайні на ту майстерність, з якою тунісець інноваційно пристосовував одяг до тіла, ідеально та масштабно опрацьовуючи плісирування, в'язане мереживо, жаккард, шовк, змішаний з лайкрою. Але у Мюльє жіноче тіло – це не скульптура, якій потрібно віддавати шану, а щось реальне, що живе, рухається (рух був ключовим в одязі колекції) і, що більше, захищається. Важко на сьогоднішній день показати естетично піднесену колекцію, але ще важче, щоб ця колекція народилася з дискурсу, який сьогодні є більш актуальним, ніж будь-коли. Показ закрила модель у сферичному капюшоні та прозорій сітці поверх усієї верхньої частини тіла, включно з руками. Це не була естетична хитрість, яка використовувала тіло як виправдання, як це занадто часто траплялося на показах останнім часом; це була метафора, яка нагадувала одяг як оболонку, як притулок і захист.

Ніколя Ді Феліче, креативний директор Courrèges, закрив свій показ трубчастою сукнею, яка також, як оболонка, приховувала кінцівки моделі. За великим рахунком, мотивація була тією ж. Бренд, який за допомогою геометричних візерунків і футуристичних тканин звільнив тіло жінок у шістдесятих роках, сьогодні також не живе, зациклившись на минулому, а переосмислює його, щоб дати відповідь на момент. «У Vogue 1964 року можна було прочитати, що точку зору Courrèges можна резюмувати як білу вінілову обгортку», – пише дизайнер у нотатках до колекції. Бренд народився в розпал Холодної війни та переніс у моду культ технологічної та космічної гонки, який панував у шістдесятих роках. Його одяг був водночас похвалою майбутньому та завуальованим попередженням про загрози, які щодня потрапляли в новини. Сьогодні ми не так далеко, і Ді Феліче це знає: «Оптимізм – це мета об'єднання, яка сьогодні потрібна більше, ніж будь-коли», – пояснює він, – «тому все народжується з імпульсивного жесту, обгортання тканини навколо тіла». Таким чином, він заснував свою колекцію на одязі, натхненному архівами, але з відчуттям незавершеності: рулони тканини, які стають шлейфами на міні-спідницях, пальто, зроблені з враженням, що їх було зроблено, обернувши тіло в тканину, квадратні топи, зведені до мінімуму... Тіло, терміновість і вільний рух як осі на сцені, повній конфетті, як свого роду вечірка, carpe diem, на якій кожна жінка може і повинна бути тим, ким вона хоче, і робити з тими шматками тканини, які її оточують, все, що їй заманеться.

«Я уявляю жінку, яка бере тканини та предмети звідси і звідти, спонтанно, ніби відповідаючи на невідоме питання», – пояснює Джуліан Клауснер про свій дебютний показ у Dries van Noten (чоловічу колекцію він представив за допомогою фотографій). Дизайнер також вирішив використовувати першу особу, чого зазвичай не траплялося в попередні сезони, і що цього тижня моди, можливо, є способом підкреслити важливість автора, креативного директора, в цьому контексті змін лідерства в брендах і колекцій, зроблених анонімними командами. У будь-якому разі, Клауснер обрав Паризьку оперу для свого дебюту, і саме місце формувало колекцію, а не навпаки. Церемоніальними коридорами Опери моделі дефілювали в тканинах і одязі, які також змішували епохи та стилі. Важкі пальта, об'ємні светри, спідниці, оздоблені паєтками, пояси, наповнені китицями, хустки з пейслі як банти або пояси... ніби Лулу де ля Фалез була музою Dries, а не Іва Сен-Лорана.

Клауснеру було нелегко, Dries van Noten – один з найбільш персоналізованих брендів, і бельгієць витратив пів десятиліття на формування особливого проєкту як за стилем, так і за бізнес-моделлю. Після виходу на пенсію минулого року група Puig і сам Dries вирішили, дуже вдало, обрати когось, хто вже кілька років працює в команді, і результат не міг бути кращим. Гості прийшли з сумнівами і закінчили оплесками в унісон. Минуле, цього разу недавнє, слугувало для того, щоб по-новому поглянути на сьогодення.

Уміння переосмислити минуле і, перш за все, вміння розуміти потреби своїх клієнток, не вдаючись до зовнішніх поглядів і стереотипів, зробило Чемену Камалі, художнім керівником Chloé протягом півтора року, одним з найпопулярніших і вірусних дизайнерів на сцені. Вона – жінка в індустрії, де небагато жінок очолюють команди дизайнерів (незважаючи на те, що це індустрія, яка живе завдяки жінкам), і, крім того, у неї немає претензій. Вона досконало знає Chloé, тому що роками працює в бренді і знає, що богемний стиль, який підніс бренд у сімдесятих, є одним з небагатьох, які ніколи не виходять з моди. Вона оновлює його і додає рюші, підплічники, сукні-комбінації. Вона також має чуття на те, які аксесуари можуть стати хітами продажів, а які варто повернути з минулого в потрібний момент (як, наприклад, сумка Paddington з початку 2000-х, одна з перших моделей-бестселерів). Усе здається легким, вільним і прекрасним у колекції Chloé, незалежно від того, чи є це улюбленим стилем того, хто на неї дивиться. Тому що тут, знову ж таки, Чемена звертається до жінок у множині та відкидає ярлики та стереотипи, пов'язані з тілом.

Не те саме дивитися назад і тягнути з архівів, коли думаєш, що будь-який минулий час був кращим, ніж коли, як у ці дні в Парижі, бачиш спадщину як інструмент, який можна реконтекстуалізувати та навіть деформувати на основі ідей (і загроз) сьогодення, в якому, на щастя, дизайнери починають усвідомлювати, що не існує жіночих архетипів чи тіл, які потрібно одягати для третіх осіб. Є жінки та одяг для того, щоб кожна, зі своєю історією, будувала свою власну ідентичність.